El bailaor David Coria.
La Bienal de Sevilla, un "grito de la memoria" que celebra el centenario de la Edad de Oro del flamenco
El Cultural reúne a seis artistas que estrenan obra en esta edición, entre ellos Dorantes, Israel Galván y Olga Pericet.
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A pesar de que cumple su vigésimo cuarta edición y es una cita consolidada, con un amplio prestigio nacional y una meritoria proyección internacional, la Bienal de Sevilla, que se celebra del 9 de septiembre al 3 de octubre, no se duerme en los laureles.
Busca, huyendo de fáciles acomodos, nuevas fórmulas que la mantengan viva, aunque sea hurgando en épocas pasadas pero, eso sí, proponiendo observarlas con miradas distintas o sugiriendo una búsqueda de lo que entonces aconteció para descubrir esas "perlas a millares" que el tiempo ha ido sepultando, como es el caso y como se desprende de la idea que sustenta la muestra en 2026.
Es por eso que su director, el joven periodista Luis Ybarra, esgrime esta frase: "La Bienal es un grito de la memoria", que naturalmente suena a consigna, y que con el fin de no quedarse corto, acude nada menos que a Borges para recordar aquello de que "no hay nada más moderno que lo olvidado".
De manera que el principal argumento de esta edición es un hecho conmemorativo: cuando hace un siglo el flamenco comenzó a desarrollarse en los escenarios después de haber pasado por los cafés cantantes.
Estos acontecimientos tuvieron un punto culminante en 1926 con el apogeo de la llamada "Ópera flamenca" y los momentos propicios que dieron lugar a lo que luego se denominó "Edad de Oro del flamenco", con nombres fundamentales como Chacón, Torres o La Niña de los Peines, más la eclosión de los concursos, de los primeros programas de radio o de la feliz aparición del sistema eléctrico para las grabaciones. La generación del 27 del flamenco, según Ybarra.
Dentro de la extensa y diversa programación de la muestra sevillana, El Cultural ha reunido a seis figuras notables que estrenan obra: un compositor y pianista y cinco bailaores y coreógrafos, cuatro de ellos galardonados con el Premio Nacional de Danza.
Con el título de Fractal Arcano y esos dos conceptos, el compositor y pianista Dorantes estrena el 12 de septiembre, en el Teatro Lope de Vega, un concierto para piano y seis palmas. "Parte de la idea del flamenco como algo que se repite, que se transforma y crece, pero siempre conservando la memoria de su origen".
El pianista David Dorantes.
Las estructuras rítmicas se suceden no como materia de acompañamiento, sino que alcanzan una enérgica presencia en calidad de elemento vivo que se va modificando. Perteneciente a una ilustre familia de músicos gitanos, Dorantes, premiado en diferentes ediciones de la Bienal, califica a su obra de muy personal, "concebida desde el diálogo del piano y las palmas y un nuevo paso en mi trayectoria".
"Es un viaje a mis profundidades, ese sería el resumen", dice Ana Morales de su Rapsodia. Fantasía subterránea, que se estrena en la antigua Fábrica de Artillería el día 13. "Una travesía órfica, inspirada también en los túneles y pasadizos que había en ese espacio histórico. Es una fantasía, un periplo muy abierto, muy abstracto, una reflexión mística a lo largo de una pieza que está dividida en tres partes: el descenso, el laberinto y la puerta o salida. Espero que sea una nueva experiencia de transformación".
"He concebido Fractal Arcano desde el diálogo del piano y las palmas. es un nuevo paso en mi trayectoria". Dorantes
Un viaje propone asimismo Andrés Marín, aunque por el desierto al que convierte la Alameda de Hércules, lugar emblemático del flamenco histórico sevillano. En Desierto, que se estrena el 25 de septiembre en el Teatro Central, "quiero contar la soledad, que para mí es una separación radical de los otros y de las máscaras sociales. El individuo queda expuesto, sin protección. No es solo ausencia; es una experiencia límite". Pero también la Alameda era una fiesta, y Andrés Marín crea la suya: "De nuevo sentido, otros gustos, otras pasiones y rostros, con nuevas narrativas y códigos".
El bailaor Andrés Marín.
Después de La consagración de la primavera y El amor brujo, Israel Galván cierra el círculo de "los clásicos" con Bolero de blanco y negro (Teatro de la Maestranza, 26 de septiembre), arropado por la música de Ravel y del gitano catalán Moncho, "El rey del bolero".
Siguiendo la estela que lo ha marcado, siempre "intento que cada vez que hago algo nuevo, me cambie la forma de bailar y me lleve a otro sitio". Para ello desnuda la pieza original y la deja "sin tanta sinfonía de colores ni tantas instrumentaciones. Hago un Bolero de Ravel más crudo y más hondo, a dos pianos, de blanco y negro".
Olga Pericet estrena Perspectiva sobre un baile sonoro el día 21 en el Teatro Central. "He concebido esta obra desde la necesidad de pararme, de reflexionar hasta dónde llevo caminado y del querer festejar y compartir".
Puede ser un avance, un paso más, pero "en realidad es un tránsito en el que hago un resumen de aquellas músicas flamencas que han sido la banda sonora de mis trabajos, haciendo partícipes a aquellos que me han acompañado. Es una celebración abierta y al mismo tiempo integradora".
La bailaora Olga Pericet.
En Babel. Torre viva, que se anuncia el 29 de septiembre en el Lope de Vega, David Coria cambia el severo Dios bíblico por algo que puede haber detrás de esa torre y se pregunta el porqué de un pueblo que en principio está unido, construyendo, luego se fragmenta. "La obra habla de la necesidad de edificar juntos y lo fácil de la aparición de los miedos, de las fronteras, los intereses que rompen con esa idea de comunidad".
No pretende borrar las diferencias, sino cambiarlas en riqueza compartida, con un lenguaje común. "En el escenario necesitaba reunir personas de diferentes culturas y que se produzca el diálogo con un elenco de distintos países: Japón, Rusia, Israel, Argentina, Chile...".
