Un momento de 'Tambourines'.
Cuerpo, ritmo y memoria: los escenarios españoles, epicentro de la danza en la nueva temporada
Recorremos diez propuestas imprescindibles donde el ballet clásico, el lenguaje contemporáneo, la electrónica y el flamenco se entrecruzan.
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Alvin Ailey American Dance Theater
Teatro Real. Madrid
La aportación del célebre coreógrafo norteamericano Alvin Ailey (1931-1989) va mucho más allá de su legado creativo. La compañía que fundó en 1958 evoca la histórica fusión de danza moderna, jazz, ballet y tradición africana y caribeña que cristaliza en un repertorio brillante, emotivo y exigente que la compañía ha ido enriqueciendo con obras de coreógrafos posteriores.
Ahora nos muestra el repertorio histórico de su fundador —piezas emblemáticas como Night Creature, Cry, Grace y Revelations— junto a incorporaciones de Lar Lubovitch, Medhi Walerski, Jamar Roberts o Judith Jamison (reverenciada bailarina y anterior directora de la compañía). No solo es un admirable viaje en el tiempo, sino un recordatorio del futuro que se consigue a partir de un proyecto educativo y social del calado del que impulsó Alvin Ailey. Del 14 al 18 de octubre.
Una escena de la obra de la Alvin Ailey American Dance Theater.
Los perros
Led Silhouette. Teatro de la Abadía. Madrid
Marcos Morau, director de La Veronal, juega con la vulnerabilidad de los inadaptados en el mundo de hoy para crear Los perros, que interpretan Jon López y Martxel Rodríguez, integrantes de la compañía navarra Led Silhouette. Una coreografía creada en colaboración con los bailarines que se apoya en textos en euskera de Carmina S. Belda, subtitulados en español e inglés, diseño sonoro de Juan Cristóbal Saavedra, escenografía de David Pascual y vestuario de Iñaki Cobos.
La fusión de música tradicional vasca con electrónica minimalista de Verde Prato añade atractivo a una pieza que nos enfrenta a la crispación del mundo actual en la que parece que ladrar y bailar son la única alternativa. Del 11 al 13 de diciembre.
Una escena de 'Los perros'.
How romantic
Carte Blanche - Compañía Nacional de Noruega. Mercat de les flors. Barcelona
How Romantic, de la coreógrafa griega Katerina Andreou, es la pieza que trae Carte Blanche, la Compañía Nacional de Noruega, para la que fue creada en 2024. Dirigida por Annabelle Bonnéry y con sede en Bergen, brilla por su diversa plantilla y su espíritu innovador.
Andreou, que abandonó su trabajo como abogada a los 25 años para reencontrarse con las artes en las que se había ido formando desde niña, invita al público a mostrarse receptivos ante una obra que rezuma ironía y emplea una intensidad física admirable a la que se enfrenta un elenco de 14 bailarines. La coreógrafa también firma el diseño de sonido, junto a Christian Sotomayor, y se apoya en una iluminación de Yannick Fouassier y figurines de Indrani Balgobin para evocar la Gran Depresión estadounidense y sus populares maratones de baile. Del 16 al 18 de octubre.
Una escena de 'How Romantic'.
Aion
Compañía Nacional de Danza. Teatro de la Zarzuela. Madrid
Muriel Romeo reúne tres piezas del repertorio histórico de la CND para mostrar el arraigo de la técnica de la danza académica: del clasicismo de Paquita al lirismo contemporáneo de Petite Morte de Jirí Kylián y la exaltación física de Second Detail, de William Forsythe.
El Grand pas que el coreógrafo Marius Petipa incorporó a la anterior Paquita de Joseph Mazilier para los escenarios rusos en 1881 es una pieza de culto por su sucesión de solos femeninos y ha sobrevivido al resto del ballet. Un enorme salto estilístico lo separa de las obras de Kylián y Forsythe, ambas de 1991. Muchas cosas sucedieron a lo largo de ese siglo, pero dos piezas coetáneas y tan contrastantes muestran que el camino mereció la pena. Del 23 de octubre al 1 de noviembre.
Sadeh21
Batsheva Dance Company. Teatros del Canal. Madrid
La mítica compañía israelí que dirige ahora Lior Avizoor trae por primera vez a España Sadeh21 (2011) de Ohad Naharin. Dedicada a Noa Eshkol (1924-2007), creador del método de notación de movimiento Eshkol-Wachman, plantea una dinámica de planos paralelos a partir de elementos habituales en Naharin, como comenzar la pieza mientras el público todavía se acomoda en la butaca o la entrada paulatina del elenco en escena, que va aumentando hasta crear un sobrecogedor movimiento grupal.
La banda sonora diseñada por Naharin —bajo su pseudónimo habitual, Maxim Waratt— recopila un collage de autores como David Darling, Tomoko Sauvage, Jun Miyake, Gavin Bryars, Angelo Badalamenti, Junko y Ohad Fishof. Los diseños de Ariel Cohen e iluminación de Bambi aportan la estética esperada, siempre deslumbrante, del coreógrafo. Del 15 al 17 de octubre.
Un momento de 'Sadeh21'.
Everything Must Change
Needcompany. Teatre de Salt, Temporada alta. Girona
Una creación conjunta de los bailarines y coreógrafos Sung Im Her y Maarten Seghers para Needcompany utiliza el poder del canto de voces y cuerpos para analizar la ineficacia de la humanidad. La prestigiosa compañía belga reúne en escena a sus creadores junto a otros seis bailarines para presentar Everything Must Change, una pieza que enfrenta esfuerzo, fracaso y resistencia, jugando con lirismo poético y un toque de humor.
Con dramaturgia de Elke Janssens, música de Pablo Mariña y vestuario de Sharlotta Seeligmüller, este manifiesto distópico promete toda la fuerza y la tensión escénica a la que esta peculiar y genial agrupación nos tiene acostumbrados. 7 de diciembre.
Tambourines
Trajal Harrell / Zürich Dance Ensemble. Teatros del Canal. Madrid
El estadounidense Trajal Harrell —fundador del Zürich Dance Ensemble— nos plantea dilemas que vertebran sociología, estética, artes visuales... y que convergen en su propio lenguaje. Con una fuerte presencia internacional, fue reconocido como Bailarín del año por la revista Tanz en 2018 y galardonado con el León de Plata en la Bienal de Venecia en 2024.
Harrell firma también la puesta en escena, escenografía, vestuario y banda sonora de Tambourines, una pieza de la Schauspielhaus Zürich inspirada en La letra escarlata, de Nathaniel Hawthorne, que nos enfrenta al dilema de una joven madre soltera y su conflicto con la puritana sociedad americana del siglo XVII. 14 y 15 de noviembre.
La leona
Olga Pericet. Palau de les Arts. Valencia
Olga Pericet revisita periódicamente La leona, una de sus piezas más celebradas, desde su estreno en 2022. Una coreografía inspirada en la célebre 'Leona', la guitarra del pintor Julio Romero de Torres, que acoge todo el misterio y la seducción de un instrumento que evoca las formas femeninas y lleva a la bailaora a mostrar su danza más generosa.
La voz de Israel Moro, la percusión de Roberto Jaén, el bajo de Juanfe Pérez y las guitarras de José Manuel León y Alfredo Mesa, envuelven el trabajo de dirección de escena de Carlota Ferrer, quien firma el vestuario junto a la propia Pericet. La iluminación de Gloria Montesinos da forma final a un espectáculo que Pericet ha sabido madurar. 4 de diciembre.
Una escena de 'La leona'.
Pueblo
Marcat Dance. Teatro Central. Sevilla
La compañía fundada por Mario Bermúdez y Catherine Coury, afincada en Vilches (Jaén), celebra su décimo aniversario con un estreno absoluto que reivindica los valores que los caracterizan: la permanencia de un colectivo alejado de las prisas y el ruido, su unión con la naturaleza y el lenguaje coreográfico generado desde un ambiente de quietud en el que la creatividad aflora de manera auténtica y poco maquillada.
Con Pueblo, el galardonado coreógrafo Mario Bermúdez presenta una pieza para siete bailarines en la que participan el historiador Juan Peña y el escritor David Uclés, y cuenta con escenografía y vestuario de Hilando el Tiempo, música original de José Pablo Polo e iluminación de Mamen B. Gil; un colectivo de artistas andaluces que reivindica sus raíces y el patrimonio que atesoran. 30 y 31 de octubre.
Coro de estancias x Ana Almagro
Ana Almagro. Teatros del Canal. Madrid
Producido por el Centro Coreográfico Canal y fruto de su estancia de creación, este estreno absoluto nos permite seguir la evolución de una artista que se perfila como una de las voces más interesantes de su generación.
Coro de estancias x Ana Almagro es la continuación de un proceso de búsqueda creativa que inició con su trabajo anterior, Ana Almagro x ELAMOR, de 2025. Almagro juega con la dualidad creativa de sueño y vigilia, incorporando elementos vocales que mezclan el Coro Ars Vocem con el cante flamenco de José Luis Hernández. Cuenta con vestuario de Lucía Lomas y ZOE OMS, iluminación de Alvan Prado y mirada externa de Miguel Alvito. 3 y 4 de diciembre.
