De la bacanal a la 'rave' la danza se libera en la 40.ª edición de Madrid en Danza

Requiem(s)

Ballet Preljocaj. Teatros del Canal. 8 y 9 de mayo.

Un momento del espectáculo 'Requiem(s)'. Foto: Didier Philispart

El francés Angelin Preljocaj, uno de los pesos pesados de la creación europea, empezó a explorar la complejidad de los rituales mortuorios tras la pérdida de sus padres y algunos amigos cercanos en 2023. Con Requiem(s) logra celebrar la vida mientras conjuga elementos de dolor, nostalgia, la alegría del recuerdo o el vacío de la ausencia. Partiendo de un mosaico sonoro que reúne a Ligeti, Mozart, System of a Down, Bach, Guðnadóttir, cantos medievales anónimos, Messiaen, Haas, Jóhannsson y 79D, el Ballet Preljocaj presenta una obra que vertebra el legado de pensadores como Roland Barthes, Gilles Deleuze, Clément Rosset y Émile Durkheim.

Requiem(s) cuenta con iluminación de Éric Soyer, vídeo de Nicolas Clauss, escenografía de Adrien Chalgard y un potente elenco de 19 bailarines. Preljocaj fundó la compañía en 1984 y se asoció primero con el Centro Coreográfico Nacional de Champigny-sur-Marne y Val-de-Marne y más tarde con el Centro Coreográfico Nacional de la Región Provenza-Alpes-Costa Azul. Esta coproducción del Ballet Preljocaj, La Villette - París, Chaillot Théâtre National de la Danse, Festival Montpellier Danse 2024, Grand Théâtre de Provence, y Vichy Culture-Opéra podrá verse en la Sala Roja de los Teatros del Canal los días 8 y 9 de mayo.

De voz, un cuerpo

Leonor Leal. Teatros del Canal. 14 de mayo.

Imagen promocional del espectáculo 'De voz, un cuerpo'. Foto: Teatros del Canal

El montaje que estrena la bailaora Leonor Leal el día 14 en la Sala Negra del Canal no repite ni inventa, sino que da una vuelta de tuerca a las motivaciones de bailaoras del pasado. Tras una primera etapa de investigación en los Teatros del Canal en 2023, Leonor Leal ha ido recopilando, filtrando y reciclando las vivencias de artistas como Blanca del Rey, Carmela Greco, Merche Esmeralda, Ana María Bueno y Pepa Montes, que aparecen en vídeos proyectados. La artista ha contado con el apoyo de Banco de Proyectos Colaborativos, programa de arte y creación en colaboración con ICAS, Tekeando, Fundación Daniel y Nina Carasso y del Goethe-Institut de Madrid.

Leal estará acompañada en escena por un espacio sonoro de Fanny Thollot a partir de las grabaciones realizadas por Javier Rivera (voz y palmas), Canito (guitarra) y Antonio Moreno (percusión). También ha contado con el apoyo de María Muñoz (Cía Malpelo) para la dirección artística, Leo Castro y Carmen Mori en la puesta en escena, además de los comentarios de Victoria Pérez Royo y Pedro G. Romero, diseño e intervención gráfica de Guridi, iluminación de Carmen Mori, sonido de Pedro León y estilismo de Ana Nieto, con bata de cola de Isabel Jiménez.

MAGNIFICAT - Le Sacre du printemps

Compagnie Marie Chouinard. Teatros del Canal. 25 de mayo.

Un instante de 'Magnificat'. Foto: Sylvie-Ann Paré

El Festival recibe el día 25 un esperado estreno mundial de Marie Chouinard: MAGNIFICAT. La coreógrafa canadiense, con el apoyo del Conseil des arts et des lettres du Québec, el Canada Council for the Arts y el Conseil des arts de Montréal, firma también los figurines y el diseño de iluminación de esta nueva obra creada para su compañía. La música de Bach sustenta a Chouinard en un juego creativo que construye con valentía a través de solos, dúos, tríos y secciones grupales.

El hecho de acompañar su obra más reciente con otra de sus coreografías más célebres enmarca la historia de la compañía a lo largo de más de tres décadas. Su Le Sacre du printemps de 1992 —que vimos en 2008— fue la primera pieza que creó sobre una partitura y se aleja de otras versiones bailadas de la obra de Stravinski.

No solo la coreógrafa la despoja de cualquier base argumental, sino que carece de secciones de conjunto; será la personalidad de cada intérprete la que otorgue entidad a una obra que parece surgir espontáneamente, una y otra vez, de cada gesto. La coreógrafa cuenta con Liz Vandal para el vestuario, Zaven Paré para la utilería, el maquillaje de Jacques-Lee Pelletier y con Daniel Éthier como estilista del cabello, otro de los protagonistas de la pieza.

Afines

Marcat Dance. Teatros del Canal. 16 de mayo.

Un momento de 'Afines'. Foto: Etanowski

Los bailarines y coreógrafos Mario Bermúdez Gil y Catherine Coury —fundadores de Marcat Dance— presentan una pieza tremendamente expresiva por la simplicidad de su mensaje y la plasticidad de formas. Afines nació en el entorno rural de Vilches (Jaén), donde se asienta Marcat Dance, su centro creativo y pedagógico desde el que arrancan las creaciones.

Vinculados en el pasado con la Batsheva Dance Company y claramente influidos por la corriente creativa de Ohad Naharin y su lenguaje de técnica gaga, Mario Bermúdez y Catherine Coury han construido un espectáculo en torno a dos cuerpos que se mueven y subrayan sus similitudes antes que sus diferencias, proponiendo así una llamada de atención ante los conflictos y divisiones a los que nos enfrentamos en la sociedad de hoy. De la diversidad nace la creatividad, afirman, y quizás la única opción para un mundo en crisis.

Esta coreografía de Mario Bermúdez cuenta con dramaturgia de Isabel Vázquez, composición y diseño musical de Moisés Nieto y con iluminación, diseño de producción y técnica de Mamen B. Gil. La excelencia artística del equipo sostiene un montaje de pequeño formato que será interpretado por los bailarines Alessia Sinato y Javier de la Asunción en la Sala Negra del Canal el día 16.

Crowd

Gisèle Vienne. Teatros del canal. 1 de junio.

Una escena de 'Crowd'. Foto: Estelle Hanania

El festival se clausura el 1 de junio en la Sala Roja de los Teatros del Canal con una pieza histórica de la coreógrafa franco-austríaca Gisèle Vienne. Estrenada en 2017, Crowd tiene por protagonista la música electrónica, en la que los 15 bailarines que la interpretan se abandonan a la violencia y el placer. No en vano, la coreógrafa bucea desde hace años en lo más oscuro de los seres humanos y su inevitable inclinación por la violencia: Crowd es una rave que llevará al espectador a cierta catarsis, pero no sin antes experimentar la desazón de quien se enfrenta a su propia imagen.

La música intensa, las emociones que trascienden desde la escena... Un entorno casi apocalíptico en el que Vienne firma la concepción, la coreografía, la escenografía y la dramaturgia, e incorpora la iluminación de Patrick Riou y los textos de desarrollo de personajes creados por los intérpretes en colaboración con Dennis Cooper y la propia Vienne. La selección de música incluye Underground Resistance, KTL, Vapour Space, DJ Rolando, Drexciya, The Martian, Choice, Jeff Mills, Peter Rehberg, Manuel Göttsching, Sun Electric y Global Communication, con supervisor de difusión de sonido de Stephen O’Malley, y ediciones y selección de playlist de Peter Rehberg y la coreógrafa.

Hairy

Dovydas Strimaitis – Still Waiting. Teatro pradillo. 13 y 14 de mayo.

Un instante de la pieza 'Hairy'. Foto: Dmitrij Matvejev

El cabello de los intérpretes, como puede adivinarse en su título, es el gran protagonista de la pieza que ofrece la compañía Still Waiting en el Teatro Pradillo los días 13 y 14. Una idea original del coreógrafo lituano Dovydas Strimaitis creada en colaboración con los cuatro bailarines que la interpretan... y su pelo.

Strimaitis, asentado entre Francia y Bélgica, explora en Hairy la idea de coreografiar para una de las pocas partes del cuerpo humano sobre la que no tenemos capacidad para mover de forma voluntaria o directa; de este modo, la tensión provocada por el deseo de controlar más allá de nuestras posibilidades, la autonomía de movimiento o conceptos estético-sociales ligados a la imagen que el cabello nos otorga, dan forma a una pieza muy atractiva.

La versión actual de Hairy, más compleja y de mayor duración que la original de 2022, se estrenó en 2024. Tiene iluminación de Lisa M. Barry y será interpretada por Line Losfelt Branchereau, Benoit Couchot, Hanna-May Porlon y el propio coreógrafo. La obra utiliza una composición original de Julijona Biveinyte, el Preludio de la Suite para violonchelo n.º 4 y la Sarabande de la N.º 2 de Bach, interpretadas respectivamente por Yo-Yo Ma y Jean-Guihen Queyras.

Delirious Night

Mette Ingvartsen. Teatros del Canal. 21 de mayo.

Una escena de 'Delirious night'. Foto: Bea Borgers

El exorcismo que ofrecen los excesos de la noche inspira a la coreógrafa danesa Mette Ingvartsen una obra para nueve bailarines y la música en vivo de Will Guthrie. La coreógrafa arrancó con esta idea en 2021, cuando investigaba las epidemias de movimientos catárticos en grupo surgidos violentamente durante las grandes plagas medievales, y empezó a relacionarlas con los excesos de los bailes de máscaras y otros comportamientos similares.

La necesidad física de movimiento cuando la sociedad estrangula los cuerpos surge en escena planteando una noche de movimiento extremo que surca la historia de la humanidad a través de la tarantela italiana y su posible relación con las bacanales clásicas, las fiestas del solsticio de verano o las danzas grupales durante la plaga de París en el siglo XIV. Estructurada en nueve secciones inspiradas por las musas, la pieza añade un inspirado juego de máscaras que acentúa la búsqueda de anonimato en situaciones extremas.

Delirious Night, con texto y letras de GRLwood, Sari, Romy Lightman y la coreógrafa, iluminación de Minna Tiikkainen, dramaturgia de Bojana Cvejic, vestuario de Jennifer Defays y entrenamiento vocal y oído externo de Fabienne Séveillac, podrá verse en la Sala Roja del Canal el día 21.

Infamous Offspring

Ultima Vez. Teatros del Canal. 24 y 25 de mayo.

Una escena de 'Infamous offsprings'. Foto: Wim Vandekeybus

Los días 24 y 25 de mayo se presenta la más reciente creación del gran Wim Vandekeybus en la Sala Verde del Canal. Infamous Offspring, un cuidado montaje estrenado en 2023 y fraguado junto a los artistas de Ultima Vez –el oasis creativo del coreógrafo en Sint-Jans-Molenbeek (Bruselas)–, fantasea con la posibilidad de acercar a personajes de la mitología griega como Zeus, Hera o Hefesto al contexto actual, ofreciendo un interesante diálogo simbólico a través de imágenes proyectadas, movimiento o texto, herramientas que el coreógrafo belga emplea con maestría desde hace décadas.

Los acertadísimos textos de la poeta Fiona Benson, el estudiado elenco de actores y bailarines, además de la aparición especial del siempre efectivo Israel Galván en el papel de Tiresias convierten a Infamous Offspring en una pieza valiente, a la altura de la heterodoxia de Vandekeybus.

El coreógrafo belga, que también firma la escenografía, comparte el crédito de iluminación con Benjamin Verbrugge, y se ha arropado por Warren Ellis/Dirty Three, ILA para la creación musical, Arthur Boruns para el sonido de la película proyectada, Margherita Scalise como asistente artística y dramaturga, Maria Kolegova y Alexandros Anastasiadis como asistentes de movimiento, e Isabelle Lhoas para el diseño de vestuario.

El sublime error de Jan Lauwers

Una escena de 'El sublime error'. Foto: La Abadía

Madrid en Danza ofrece un abanico variado de creación contemporánea, abierto por casi todos los rincones de la región y en multitud de formatos. Sin embargo, uno de los platos más codiciados de estos días queda fuera de este circuito y se refugia en el Teatro de La Abadía que dirige Juan Mayorga. Un sublime error, con texto y dirección de Jan Lauwers ocupa la Sala José Luis Alonso a partir del día 8.

El montaje, protagonizado por Gonzalo Cunill y coproducido por Needcompany, Festival Temporada Alta, Heartbreak Hotel y La Abadía, tiene dirección escénica de Elke Janssens y música de Rombout Willems. El texto de Lauwers, en traducción de Micaela van Muylem, recoge tres perfiles masculinos que giran en torno a la amistad y, como es habitual en el trabajo de Lauwers, rezuman un fuerte poso autobiográfico.

Su protagonista, en cualquier caso, está modelado a partir de los confusos personajes masculinos de las obras anteriores del autor, proponiendo un individuo que resulta ser la suma de todos ellos, con sus dudas y perplejidades ante el mundo que le rodea.

Needcompany nació en 1986 de la mano de Jan Lauwers y Grace Ellen Barkey, a quienes se unió Maarten Seghers en 2001. Su trabajo multidisciplinar de teatro, danza, performance, artes visuales, texto..., ha convertido a la compañía belga en una burbuja multilingüe que no escatima esfuerzos en cuestionarse una y otra vez sus métodos creativos.