Los Goya, más allá de la realidad

Guillermo de Oliveira, Alexis Morante, Almudena Carracedo, Robert Bahar y Elías Leon Siminiani fotografiados en Madrid. Foto: José S. Gutiérrez. El quijotesco proyecto de unos frikis por rescatar uno de los escenarios de El bueno, el feo y el malo, la desgarradora odisea de las víctimas de los crímenes del franquismo, el relato descarnado de la triste peripecia de Camarón y la excéntrica colisión entre un director de cine y un atracador de bancos. Estas son las cuatro historias que optan en la 33.ª edición de los Premios Goya - el 2 de febrero en Sevilla- al mejor documental. Todas ellas reflejan la riqueza, tanto temática como formal, de un género en alza en nuestro país. Y no solo en términos de calidad y emoción, de lo que las cuatro películas van sobradas, sino también de alcance gracias a unas plataformas digitales que apuestan en los últimos tiempos por la no ficción. Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira, El silencio de otros, de Almudena Carracedo y Robert Bahar, Camarón: flamenco y revolución, de Alexis Morante, y Apuntes para una película de atracos, de Elías León Siminiani, demuestran además que, en contra de ciertos prejuicios que han acompañado al documental desde sus orígenes, la poesía no está reñida con un género que apela directamente a la crudeza de la realidad. Viajes emocionales “El objetivo de un documental no es solo buscar la verdad de determinados hechos sino construir un viaje emocional, algo que solo se puede lograr con poesía”, comenta Robert Bahar (Filadelfia, 1975), que ha dedicado casi una década a sacar adelante, junto a su pareja Almudena Carracedo (Madrid, 1972), El silencio de otros, un filme de fuerte denuncia social como ya lo fuera el anterior trabajo de ambos, Made in L.A. (2007). “Estamos comprometidos con el documental porque es una herramienta perfecta para arrojar luz sobre historias que deberían conocerse y, sobre todo, porque tiene la capacidad de generar empatía y de insuflar humanidad a una conversación que muchas veces está basada en simples estadísticas y lugares comunes”, opina Carracedo. Tanto Carracedo como Bahar se definen como cineastas y activistas y destacan la importancia que tuvo en sus respectivas formaciones el documental Harlan County U.S.A. (1976), de Barbara Kopple, que seguía la huelga de unos mineros del carbón en el estado de Kentucky. "Descubrí que se podía hacer cine de verdad, y no solo reportajes, utilizando un material grabado de la vida real", explica Bahar. Esa ha sido la ambición de ambos en El silencio de otros, que aborda un tema delicado desde un punto de vista político como la memoria histórica. “La idea era no juzgar ni la Guerra Civil ni la Transición”, asegura el director. “Queríamos hacer una película en presente con personas que viven esta situación hoy para que el público se pregunte por qué una anciana no puede sacar los restos de su madre de una fosa o cuál es el motivo para que una madre no pueda acceder a la información sobre su hijo robado. Así la cuestión entra más en el terreno de los Derechos Humanos y menos en la política”. Durante 7 años, Carracedo y Bahar estuvieron grabando a los denunciantes españoles de la querella argentina contra los crímenes del franquismo de manera artesanal: Carracedo se encargaba de la cámara y Bahar del sonido y entre los dos realizaban tareas de producción, dirección, contabilidad... Como resultado de este desempeño, acumularon más de 450 horas de material que tardarían 14 meses, encerrados en la sala de montaje, en convertir en un filme de 96 minutos. Un esfuerzo titánico que requirió auténticos malabarismos en materia de financiación y que solo al final se vio recompensado con la entrada en el proyecto de El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. “Durante esos siete años estuvimos dedicados a tiempo completo a esta película porque nosotros no hacemos otro tipo de trabajos como anuncios o videos musicales”, explica Carracedo. “Me parece maravilloso que una película que empieza siendo tan pequeña acabe acaparando tanta atención”. Más pequeña aún iba a ser en un principio Desenterrando Sad Hill. Guillermo de Oliveira (Vigo, 1986), su director, no pensaba que la historia de un grupo de fans de El bueno, el feo y el malo (Sergio Leone, 1966) que pretenden recuperar el cementerio construido en Burgos para la mítica escena final de la película, abandonado y sepultado por la vegetación durante 49 años, pudiera ser algo más que un corto. “Pero no tanto por no creer en la historia sino porque yo no me veía preparado para manejar una narrativa en 90 minutos”, explica De Oliveira, que hasta ese momento solo había dirigido algunos cortos de ficción. “Pero fueron los propios acontecimientos los que no me dejaron más remedio que lanzarme al largometraje”. A medida que se corría la voz de la iniciativa y comenzaban a llegar acólitos del filme de Leone desde Portugal, Francia o Italia, con su pala en el coche para ayudar a desenterrar las tumbas de piedra, el director se dio cuenta de las amplias resonancias del tema y empezó a modificar su manera de grabar. “Es lo bueno de un proyecto que dura tres años, que te permite aprender de tus errores y tienes margen para subsanarlos. En ficción eso no ocurre”, opina De Oliveira, que sacó la cámara y el resto del material para el rodaje de su productora de publicidad y que tan solo recibió una ayuda de la Junta de Castilla y León de 20.000 euros, además de los 45.000 euros obtenidos de un crowdfunding. “Al principio me abrumaba sentir que no tenía suficientes medios, pero después pensaba que Werner Herzog, con ya casi 40 años de carrera, se había ido con la única compañía de un operador de cámara al Polo Sur para rodar Encuentros en el fin del mundo (2007) y eso me reconfortaba”. Desenterrando Sad Hill, que cuenta con la participación de dos tótems como Ennio Morricone y Clint Eastwood, acaba convirtiéndose en un homenaje al cine y a su capacidad de tocar y transformar a las personas. “¿Por qué un fan de El bueno, el feo y el malo puede llegar a hacer 1.200 kilómetros en coche para recuperar un cementerio ficticio a cambio de nada?”, se pregunta De Oliveira. “No tiene mucho sentido, es una quijotada, pero cualquiera que haya sido un friki de algo se puede ver identificado en la película y por eso es tan emocionante”. Tanto Desenterrando Sad Hill como Camarón: flamenco y revolución se pueden ver en Netflix a nivel internacional y, a pesar de que la plataforma digital no facilita datos, ambos documentales han contado con gran aceptación fuera de nuestras fronteras a tenor del feedback que reciben sus responsables a través de las redes sociales. “Las nuevas plataformas han favorecido a los documentales de manera exponencial”, asegura Alexis Morante (Algeciras, 1978), director del documental sobre Camarón. “Antes apenas se veían este tipo de películas, pero ahora todo el mundo habla de algún documental que ha visto últimamente. Además, alojan documentales de todo tipo de temática y eso hace que haya un nicho para todos los públicos”. Camarón: flamenco y revolución pertenece a la estirpe del documental musical, que en los últimos tiempos ha dado a luz piezas tan estimables como Searching for Sugar Man (Malik Bendjelloul, 2012) o Amy (Asif Kapadia, 2015). Morante, que ya había probado el género en El camino más largo (2016) y que en 2018 también ha estrenado Sanz: Lo que fui es lo que soy, recibió el encargo de la productora Mediaevs de enfrentarse a un mito del flamenco del que ya estaba todo dicho. “Lo primero que hice fue desprenderme de cualquier prejuicio y presión e intentar contar la historia de una forma más personal, como si fuera una leyenda o un cuento”, explica el director. “Por eso decidí que no iba a hacer ninguna entrevista y que tan solo utilizaría material de archivo y que el narrador sería un personaje que cuenta la historia como le da la gana, guiado por la emoción”. El actor Juan Diego aporta la voz a ese narrador franco y lírico, de acento andaluz, que no es el único elemento poético de una cinta en la que abundan los planos aéreos y las imágenes de naturaleza desbocada. Además, el filme contiene sugerentes animaciones de José Luis Ramos. Creación sin reglas “Creo que el documental no tiene reglas y no me parece que la objetividad sea necesaria”, opina Morante. “Lo importante es que el director se aproxime al tema o al personaje retratado con su propia mirada y que cuide la narración. Al fin y al cabo, estamos haciendo cine, no una enciclopedia. Mis compañeros nominados son ejemplos de distintos puntos de vista, empezando por Elías y su Apuntes para una película de atracos, donde el director no solo toma una postura, sino que se convierte en su propio personaje”. Cabe cuestionarse si Apuntes para una película de atracos es realmente un documental. Responde León Siminiani (Santander, 1971): “Mucha gente me pregunta si lo que aparece en la película es inventado. Apuntes…, sin embargo, no tiene nada de fake y sí mucho de relato. Pero es un relato real, construído sobre hechos reales. En ese sentido sí lo considero un documental, aunque esta palabra evoca un tipo de discurso fílmico que mi película puede que no cumpla totalmente. Quizá se engloba mejor dentro del saco cada vez más amplio de la llamada no ficción, donde caben todas aquellas películas que están a medio camino entre la ficción y el documental puro, ya sea por el contenido o por las técnicas”. El director ya estuvo nominado en 2014 en esta categoría por Mapa, y en Apuntes… sigue indagando en la senda abierta por aquella película, una especie de diario fílmico sobre un viaje a la India. Ahora el director introduce en su estilo elementos del cine negro para narrar la relación que él mismo establece con el célebre Robin Hood de Vallecas, un atracador de bancos convicto. En esta nueva entrega, Siminiani hace un guiño al ciclo de películas de apuntes que firmó Pier Paolo Pasolini en los años 60 y 70 en las que, a modo de cuaderno de notas filmado, preparaba la realización de proyectos que no siempre llegaron a buen puerto. “A mí ese subgénero que pone en el centro del relato el proceso de hacer cine, y que han hecho también directores como Rivette o Desplechin, siempre me ha interesado y de hecho ya estaba en Mapa”, explica el cineasta. A pesar de que el filme no ha ido todo lo bien en taquilla que sus responsables hubiesen deseado, Seminiani no se deja vencer por la melancolía. “No hay que medir el éxito de un documental por la taquilla porque el hecho de que se estrene en salas es ya un éxito”, asegura. “Pero después un documental tiene más vidas: las casas de la cultura, los circuitos de las Comunidades Autónomas, las plataformas digitales e incluso los festivales. Si se contabilizaran todos estos espacios nos llevaríamos muchas sorpresas respecto al número de espectadores que tienen determinadas películas que a priori han sido un fracaso absoluto”. @JavierYusteTosi

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