Detalle de la serie Mud Dumfriesshire, Scotland, 2014

Hace dos años y medio, Andy Goldsworthy (Cheshire, 1956) transformó, para inaugurarlo, el espacio de Slowtrack al dibujar con juncos y espinas una línea continua que formaba remolinos en su fluir a través de los espacios de la galería. Fue una intervención delicada y poética, muy diferente a la imponente construcción de troncos que levantó en el interior del Palacio de Cristal en 2007. Conocemos su trabajo a través sobre todo de las bellas fotografías con las que documenta sus obras efímeras en el medio natural pero, como vimos en esas dos instalaciones y confirma esta exposición, hay mucha más variedad en él, tanto en formatos como en procesos.

Confieso mi enorme simpatía por este artista que sale cada día a los campos y los bosques que le rodean, en Dumfriesshire (Escocia), como si fuera a explorar un nuevo continente, permitiendo que los materiales naturales y las situaciones espaciales, atmosféricas, lumínicas, le sugieran una nueva acción escultórica que ampliará su visión y su conocimiento.

En esas incursiones creativas, el tiempo es determinante: las horas de luz o las amenazas del cielo limitan las a menudo laboriosas tareas de recolección y disposición de elementos. El fracaso es muy posible y forma parte de la interacción creativa entre artista y naturaleza. En toda la ya larga trayectoria de Goldsworthy ha existido una fusión entre lo performativo y lo material o la imagen, pero en estos últimos años, la presencia del cuerpo se ha afirmado. No tanto en la acción creativa, donde siempre estuvo, cuanto en las imágenes finales.

Así se pudo ver ya en la muestra celebrada el pasado otoño en la galería Lelong de Nueva York, Leaning into the Wind, que coincidió con la monumental publicación de Ephemeral Works 2004-2014, volumen que actualiza la metódica catalogación de sus obras completas, reavivando el interés internacional por su trabajo.

Tiempo y cuerpo. En los años 70, cuando iniciaba su carrera, el artista documentó sus acciones somáticas en fotografías, pero también en filmaciones, que recuperó en la exposición neoyorquina. Desde entonces, apenas había utilizado el vídeo, hasta que lo necesitó para sus rain shadows, siluetas que, al tumbarse él sobre el suelo, traza la lluvia (vemos una de ellas en la exposición). No hace mucho decidió pasar de la cámara fotográfica analógica a la digital, precisamente por la posibilidad de filmar y hacer stop motion cuando la obra lo requiere. Pero, curiosamente, su uso de la imagen en movimiento se pone al servicio de la celebración del estatismo: la cámara no se mueve, componiendo un plano único, y, en varios de estos nuevos vídeos, el cuerpo se queda quieto, perfilando una silueta oscura, o una sombra, un "negativo". Solo desde la quietud puede percibirse el cambio, nos avisa Goldsworthy, y solo incorporando la figura humana puede entenderse la realidad del paisaje casi por completo antropizado que habitamos los europeos.

Él no se relaciona con la naturaleza salvaje sino con el terreno agrícola y ganadero más próximo, pero eso no excluye la experiencia reveladora. Las fotografías expuestas muestran otra evolución en la obra del artista, inducida también en parte por la herramienta digital: mientras que en otros momentos tuvo que pensar cuál sería la imagen única que transmitiría cada intervención, ahora parece preferir las secuencias, que reflejan en unos casos la ejecución de la acción y en otros la desaparición de la obra efímera.

Así, vemos aquí cómo se deshace un muro de placas de hielo o una serpiente de nieve, se esparcen desde las manos unos pétalos, se lava de ellas un barro oscuro, se lleva el viento una cabellera de juncos. Son ejercicios mediante los que Goldsworthy ensaya posibilidades expresivas para una naturaleza que es ya, de por sí, la más sabia creadora. Aprendamos, con él, de ellos.

@ElenaVozmediano