Rineke Dijkstra

Rineke Dijkstra es, sin ninguna duda, una de las estrellas de esta edición del Festival. La artista holandesa presenta en Madrid, en el Jardín Botánico, cuatro de sus series, una de ellas en vídeo, lenguaje que ha empezado a utilizar recientemente. Dijkstra dialoga con El Cultural sobre las claves de sus retratos, brillantes documentos en clave emocional.

Lo cierto es que parece un guiño. Anda Rineke Dijkstra a toda prisa de un lado para otro entre Holanda y Alemania, entre su lugar de origen y la cuna de la fotografía europea de la segunda mitad del siglo XX. Hablamos con ella mientras espera un tren en la estación de Dusseldorf, poco antes de viajar a España para montar su exposición en el Jardín Botánico, una muestra en la que presenta series como Abigael, Maya y Yara and the Israeli Army. Dijkstra sigue muy interesada en el mundo adolescente.

-Cuando empecé a realizar mis Retratos de playa, quería retratar a todo tipo de gente, niños, chavales, adultos e incluso familias enteras. Más tarde, ya mirando las fotos, me interesaron más las de niños y adolescentes. Encontraba a los niños muy desinhibidos, siempre dispuestos a ser retratados. Aún no les embargaba el pudor y se mostraban muy abiertos y curiosos. Además, sus rostros y gestos reflejaban mucho más acerca de lo que ocurría no ya sólo en su interior sino en torno a sí mismos. Pero también, al mismo tiempo, era interesante ver cómo no sabían qué hacer con sus brazos mientras posaban y lo inseguros que parecían mostrarse.
-Sus personajes se recortan sobre un fondo abstracto, como para eliminar cualquier información que pueda desviar la atención.

-Sí. Me gusta aislar a los personajes pues de este modo aparecen representados como símbolos o iconos. No es tanto una reflexión sobre la vida de estos personajes concretos sino sobre la existencia en un sentido más amplio. Además, mediante la eliminación del entorno es más fácil concentrarse en pequeños detalles. Me gusta fijarme en los pequeños detalles, en los pliegues de la ropa, en cómo el viento desordena el cabello de las niñas... Siempre he pensado que para mostrar el entorno en el que uno vive no es necesario dar demasiada información. Tan sólo un pequeño trozo de alfombra o de una cortina puede dar, por ejemplo, pistas suficientes sobre un interior. Al final, en definitiva, todo es imaginación.

-Pero la descontextualización puede propiciar un sentimiento de fragilidad, de vulnerabilidad.

Sentimientos generales

-He realizado muchos retratos de madres recién salidas del parto. Quería fotografiar esa experiencia. Estas madres han pasado por duros momentos de dolor y ahora están ahí, felices, pero también confusas, y sobre todo exhaustas. Si alguien mira una de estas imágenes y encuentra demasiados detalles alrededor de la mujer probablemente ni capte el mensaje, ni pueda sentir ningún tipo de empatía. Se trata, por tanto, de vivir una experiencia de carácter universal. Como he dicho antes, mis imágenes no versan sobre personas específicas sino sobre sentimientos en un ámbito más general.

-Realiza retratos de una frontalidad radical. En este sentido su trabajo puede situarse en la senda de August Sander y en la de los Becher. -Mis fotografías son también frontales pero me interesan los estados de ánimo y no la frialdad de los personajes de ciertos artistas como Thomas Ruff o el matrimonio Becher. Me interesa la capacidad para emocionar. Las fotografías de Sander mantienen también una cierta distancia. Sus personajes aparecen situados en un plano social muy bien definido. Para preservar su validez universal, los retratos no permitían interpretación psicológica y debía evitarse cualquier asomo de individualidad por el bien de la obra. A mi sí me interesa esa individualidad. Me gusta ver cómo la gente se diferencia pero siempre a través de pequeños detalles.

-¿Se puede hablar también de una intención sociológica?
-Quizá es ahí donde mi trabajo enlaza con los Becher. Me interesa mostrar a gente de diferentes culturas bajo las mismas circunstancias, como en los Retratos de playa. O incluso de otro modo, como los retratos de Almerisa, una refugiada de Bosnia a quien empecé a retratar cuando tenía seis años y he seguido haciéndolo todos los años desde entonces. Ahora tiene dieciséis. No sólo la ves cambiar sino también cómo se adapta a la cultura occidental. Mi trabajo versa sobre la transición y la transformación de las personas.

Narración continua

-En PHotoEspaña presenta series que hablan de una continuidad temporal. ¿Qué le ofrecen estos nuevas condiciones narrativas?
-Tanto en la serie de Israel como en la de Oliver y la Legión francesa, que ahora muestro en Madrid, he comenzado a seguir la evolución de los personajes retratándolos cada cierto tiempo. Me gusta ver cómo la gente cambia en condiciones concretas, como en el ejército. La diferencia entre estas dos series es que en Israel el servicio es obligatorio para hombres y mujeres y en el caso de Oliver hablamos de un voluntario. Para él es el sueño de toda una vida. En la serie se puede ver el cambio que experimenta, desde su bisoñez al entrar en la legión hasta su aspecto confiado de un tiempo después. En la parte final de la evolución su rostro y su uniforme parecen haberse fundido. Al final, incluso muestra ciertos rasgos de autoridad.

-Israel, sin embargo, expresa la continuidad de un drama...

-En Israel comencé a fotografiar a ciertas chicas a su entrada a filas, en el momento en que deben abandonar la comodidad de su hogar para adentrarse en un terreno desconocido y peligroso. Las seguí dos años. A esa edad son demasiado jóvenes para soportar semejante responsabilidad. El servicio militar implica la adaptación del individuo a una disciplina colectiva y me interesa esa tensión que se filtra entre los valores individuales y los colectivos. Siempre me ha gustado esa paradoja.

-¿Y la pintura?
-Siempre he sentido una gran admiración por la pintura renacentista. Me fascinan Rembrandt e Ingres. Es asombroso ver el enorme grado psicológico que encierran sus obras. Me gusta el sentido atemporal que tienen los rostros de muchas de estas pinturas. En la fotografía de la niña en bañador tomada en Polonia hay claras reminiscencias de Boticelli. La niña de mi foto es también muy joven, y también muy extraña.

-También va a mostrar vídeos. ¿Cómo ha sido su adaptación a este lenguaje?
- Realicé retratos en The Buzz Club pero pronto me di cuenta de que algo fallaba. No lograba capturar la atmósfera del lugar. Me faltaba la música, el DJ gritando, y sobre todo el baile. Me sugirieron que utilizara el vídeo en vez de la fotografía. Mi aproximación no variaba en exceso pero pronto me percaté de que debía dar otro tipo de instrucciones a los chavales. No suelo dar demasiadas órdenes y prefiero que adopten las posturas en las que se sientan más cómodos así que utilicé una pantalla en la que pudieran ensayar, como un estudio improvisado. El vídeo me permite obtener más información de la gente por una evidente cuestión temporal pues son, en suma, imágenes que se extienden en el tiempo.

Rineke Dijkstra
Nacida en una localidad cercana a Amsterdam, Rineke Dijkstra (1959) es una de las artistas más importantes del género fotográfico. Dijkstra ha expuesto individualmente en algunos de los centros más importantes como el Stedelijk de su ciudad natal, el Arts Institute de Chicago o en colectivas como la reciente Cruel and Tender celebrada en la Tate Modern.