La gran feria del arte contemporáneo abre sus puertas a 292 galerías internacionales. Dentro de la sección Unlimited, que ocupa 16.000 metros cuadrados de espacio, participan 76 artistas con propuestas de grandes dimensiones. Destacamos doce de ellas.

Cada año cuando se acerca la fecha en la que se celebra Art Basel la ciudad que la acoge se vuelca con ella. Y no es para menos. Es una de las grandes citas con el arte contemporáneo del año, una de esas en las que las galerías ponen todo su empeño, sus ganas e ilusión para participar porque saben que los comisarios, galeristas y coleccionistas que asisten llegan desde todos los puntos en busca de las propuestas más interesantes. Basilea, la misma ciudad que vio nacer a esa estrella del rock de las subastas, Simon de Pury, se llena de arte no solo con la feria grande que es Art Basel sino también con las paralelas Volta, en la que se da cita el nuevo arte emergente, Liste, la feria de los jóvenes que sirve como trampolín, y la joven Photo Basel que arrancó en 2015. Además, museos y fundaciones aprovechan esos días para hacer sus mejores propuestas y propiciar el ambiente perfecto. Así, la Fondation Beyeler acoge a Wolfgang Tillmans, que ya se pudo ver en la Tate Modern de Londres, y el Schaulager recibe la vista del proyecto Olympia de David Claerbout, que pasó hace escasas semanas por el festival Loop de Barcelona.

En esta edición de Art Basel, que se celebra hasta el 18 de junio, participan en total 292 galerías repartidas en sus diferentes secciones. Una de ellas, Unlimited, se hace con 16.000 metros cuadrados de espacio para trascender los límites de feria de arte tradicional y proponer obras de gran escala de artistas históricos como Carl Andre, Chris Burden, Julio Le Parc, Helio Oiticica y John Baldessari. Gianni Jetzer, comisario por sexto año consecutivo de la sección, propone 76 proyectos históricos y contemporáneos entre los que se pueden ver esculturas, pinturas, proyecciones, instalaciones y performances en vivo. De entre todos los artistas que participan seleccionamos doce.

Phyllida Barlow. untitled: 100banners2015

El Pabellón de Gran Bretaña que diseñó para la Bienal de Venecia llenaba todo el espacio incluso se salía de sus límites. Phyllida Barlow (Newcastle upon Tyne, Reino Unido, 1944), una artista a la que le gusta yuxtaponer objetos familiares a formas abstractas, proponía en folly asumir un papel explorador para recorrer el laberinto escultórico que planteaba. Reclutada en 2010 por la galería Hauser & Wirth la artista llega a Art Basel con 100banners2015, una instalación compuesta de pancartas de colores ancladas al suelo con bolsas llenas de arena situadas tan cerca entre sí que resulta complicado transitar. Sin embargo, Barlow invita al espectador a navegar por este terreno escultórico que sirve de metáfora del poder y el patriotismo. Las banderas funcionan como símbolos que marcan el territorio pero que desprovistos de adornos se pueden disociar de su función para convertirse en meras telas en busca de volver a ser reactivadas.

David Claerbout. The Pure Necessity

En Olympia David Claerbout (Cortrique, Bélgica, 1969) recrea digitalmente el estadio que Hitler mandó construir para los Juegos Olímpicos del verano de 1936. Es una pieza con una proyección que tiene una duración de 1000 años en los que las inclemencias del tiempo acaban destruyendo en tiempo real el estadio. Pero además de esta obra que se puede ver en el Schaulager, el artista presenta en Art Basel su creación The Pure Necessity donde renueva la historia de El libro de la selva con un loop en el que los animales se comportan acorde a su raza. Para ese bucle, que tiene lugar cada hora en el momento de la escena final de Mowgli y sus compañeros, Claerbout y su equipo de animadores han rediseñado en 2D los marcos del prototipo de la película de Disney a mano creando una nueva pieza sin una narrativa en la que los animales se mueven en la selva como si fuera una creación propia.

Tacita Dean. When first I raised the Tempest

Es una de las artistas imprescindibles del panorama británico que actualmente tiene obra expuesta en el Centre d'art contemporain Chanot, de Clamart, en 1301PE, de Los Angeles y en el MAAT, de Lisboa. Tacita Dean (Canterbury, 1969) es conocida por sus obras analógicas pero el dibujo sigue siendo la parte central de su obra. "En mis dibujos sigo utilizando las palabras de un modo pictórico y los borrones. Y sigo escribiendo", decía en una entrevista la artista. Sus trabajos en pizarra evocan al cine en blanco y negro y establece asociaciones entre el lenguaje y el storyboard. El dibujo de mayores dimensiones que la artista ha hecho hasta la fecha es When first I raised the Tempest, en la que crea la imagen de una tormenta con grandes nubes desgarradas por rayos que revelan un brillo de luz sobrenatural inspiradas en el cielo de Los Angeles.

Carlos Garaicoa. Saving The Safe

Su nombre está ligado a la producción artística cubana de altura. Carlos Garaicoa (La Habana, 1967), que expuso recientemente en el Azkuna de Bilbao y a quien veremos próximamente en Documenta 14 con Photo-topographies bajo el manto de la galería Elba Benítez, tiene como objetivo abordar las tensiones que ha causado el ámbito financiero en los últimos años. El artista reproduce seis bancos en miniatura que instala por separado dentro de una caja fuerte de un banco real. El color oro que usa en esas arquitecturas se relaciona directamente con el pasado imperialista de algunos países y el título alude a la custodia del edificio como símbolo que se encuentra en crisis global.

Secundino Hernández. Four Seasons Between Summer and Fall

El artista madrileño llega a Art Basel con una propuesta a gran escala en la que explora las cuatro estaciones del año. Así, cada uno de los cuatro lienzos explora la estación en la que fueron pintados. Secundino Hernández (Madrid, 1975), representado en España por la galería Heinrich Ehrhardt, es uno de los jóvenes artistas de nuestro país con más proyección internacional y muestra de ello es que en ARCO sus obras generan gran expectación y en más de una ocasión ha colgado el cartel de vendido. Para el artista el lienzo es un patio de recreo en el que explorar y entender el mundo y "la técnica un proceso interminable, una manera de aprender, analizar y ver". Four Seasons es una reducción de la superficie en la que el fondo blanco se mantiene en equilibrio combinando la gestualidad de la pincelada y el lienzo blanco que subyace.

Susan Hiller. Thoughts Are Free

Susan Hiller (Florida, 1940) es uno de esos nombres que resuenan este año en las grandes citas. Ha estado en la Documenta 14 de Atenas, estará en la de Kassel y su galería Lisson le ha dedicado este año Paraconceptual. En Thoughts Are Free, una declaración de intenciones, ha recopilado cien canciones políticas de diferentes movimientos, culturas y épocas en un jukebox personalizado. El visitante puede seleccionar las canciones según su interés y curiosidad o escuchar las escogidas por otros mientras lee las letras de cada una de ellas en la pared que rodea al jukebox. Además, la instalación se completa con un libro ilustrado con las letras, textos e imágenes que Hiller ha seleccionado para observar cómo estas canciones pueden crear una conciencia política colectiva y, sobre todo, hacerse eco de la reacción de los espectadores en un momento político en el que estas canciones recobran su carga.

Jenny Holzer. STATEMENT - redacted

Esta artista estadounidense comenzó una trayectoria en el terreno del arte abstracto pero pronto adoptó las palabras como medio de expresión. Las proyecciones de frases en espacios públicos, en multitud de ocasiones expresando la opinión de Jenny Holzer (Ohio, 1950) en torno a asuntos políticos y sociales, plantean interrogantes sobre las complejidades, las paradojas y las ironías de la identidad social y la política. La artista cuenta su STATEMENT - redacted sobre un brazo robótico de más de dos metros de altura. El texto que va apareciendo son fragmentos de documentos desclasificados por el gobierno de Estados Unidos en torno a operaciones militares y el tratamiento a los detenidos en Afganistán e irak. Esta pieza en concreto inspecciona el lenguaje abstracto y la sintaxis sobre la guerra que emplea la administración americana. Y, en general, el lenguaje que ha adoptado en sus últimas obras está basado en luces LED que proyectan documentos desclasificados, declaraciones, correos electrónicos y juicios que, combinado con el movimiento puede alterar la percepción física y psicológica del significado de las palabras.

Barbara Kruger. Untitled (Our people are better than your people)

Barbara Kruger (Nueva Jersey, 1945) es conocida por sus fotografías en blanco y negro a las que añade pies de foto aclarativos con pronombres como You, We, I. Su lenguaje, desde los años 70, trata de tematizar la influencia que los medios de comunicación y la política han ejercido sobre la identidad y que hoy en día sigue estando de actualidad. A caballo entre la manipulación y la imitación de los deseos humanos, Kruger desarrolla una crítica de la sociedad que fetichiza el cuerpo femenino, promueve el consumo y establece modelos culturales. Además, el papel pintado que superpone en Art Basel muestra su opinión política sobre Europa y Estados Unidos.

Cildo Meireles. Amerikkka

Su nombre es uno de los fundamentales del arte brasileño y hablar de Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) es hacerlo de arte conceptual y de investigación ideológica, económica y sistemas políticos a través de la escultura y la instalación. Su última exposición en España tuvo lugar en el Palacio de Velázquez hace ya cuatro años y tras Art Basel se le podrá ver en la Bienal de Lyon. Representado por Galerie Lelong y Galeria Luisa Strina en Unlimited presenta Amerikkka, una pieza ideada para la celebración de los 500 años del descubrimiento de América. La obra consta de dos partes que transforman el espacio en una experiencia interactiva. El espectador se sitúa sobre un suelo de 20.000 huevos de madera blanca en un fondo rojo mientras mira hacia un techo compuesto de 40.000 balas de oro huecos sobre un fondo de color azul intenso. Lo que Amerikkka quiere transmitir es una cierta inestabilidad que pone en duda si el trabajo se está expandiendo o se está constriñendo, aludiendo a amenazas reales o percibidas. Por otro lado, la triple k del título hace alusión al Ku Klux Klan ofreciendo, en conjunto, una experiencia sinestésica.

Bruce Nauman. Walks In Walks Out

Bruce Nauman (Indiana, Estados Unidos, 1941) es uno de esos nombres reconocidos, sobre todo, por sus esculturas con neones. Walks In Walks Out, creada inicialmente para Sperone Westwater para determinar la correcta escala de la proyección en siete partes de Contrapposto Studies, I Through VII, usa la altura del artista como guía. Nauman aparece y desaparece de las proyecciones con el objetivo de demostrar la escala y con ello añade una capa ilusoria al proyecto. Esta obra, sin embargo, puede entenderse como una ampliación de Walk with Contrapposto, su trabajo formativo, en el que el Nauman ejecuta un paseo exagerado por un pasillo alto y estrecho. Ahora, en cambio, transforma digitalmente un gesto singular para crear una experiencia visual y auditiva compleja.

Philippe Parreno. Fraught Times: For Eleven Months of the Year it's an Artwork and in December it's Christmas (July)

Parreno (Orán, Argelia, 1964) fue el primer artista en ocupar todo el espacio del Palais de Tokyo de París con su exposición Anywhere, Anywhere Out of the World en 2013. Desde el inicio de su carrera el artista ha perseguido la idea de retar al espectador y en el caso de Fraught Times lo hace con una idea con la que todo espectador se puede sentir identificado. Son once los árboles de acero inoxidable que ha creado desde que en 2008 presentara el primero para la inauguración de la galería Pilar Corria. Un árbol navideño para cada mes, cuyo significado cambio según el lugar, el momento y el contexto, excepto para diciembre, cuando este objeto deja de ser una obra de arte para ser un elemento decorativo más. Con el que se presenta en Art Basel, Fraught Times: For Eleven Months of the Year it's an Artwork and in December it's Christmas (July), es el de mayor tamaño y el más hiperrealista de todos con más de 100 objetos que lo adornan.

Tobias Rehberger. Performance of two lonely objects that have a lot in common

Hace tiempo que no se ve a Rehberger (Esslingen am Neckar, Alemania, 1966) en España pero de cara al año que viene el artista tiene previsto participar en la trienal de Yokohama. El artista alemán de tradición escultórica trabaja sus piezas con características propias de la escultura contemporánea y la hibridación entre arquitectura y diseño. El color y la geometría también forman parte de un imaginario que se puede ver en Unlimited con Performance of two lonely object that have a lot in common, una instalación en la que reinterpreta la icónica Frankfurt Kitchen de la primera arquitecta vienesa, Margarete Schütte-Lihotzky. Realizada en porcelana china esta cocina se convierte, al mismo tiempo, en una escultura y una cocina funcional. Los poros abiertos hacen que las manchas impregnen la porcelana mientras se usa. Instalada junto a unos cuencos inspirados en los de Ikea, el artista crea un juego en el que los dos componentes son los actores que invitan al espectador a observar la pieza o a utilizarla. Se trata, en fin, de un diálogo sobre el uso que les damos a los objetos y los roles que estos adquieren en nuestras vidas.

@scamarzana